Erich Kästner. »Pünktchen und Anton«

in einer Fassung von Nicole Claudia Weber und Sarah Caliciotti

Reich und Arm, das sind Pünktchen und Anton. Pünktchen heißt eigentlich Luise und hat sich noch nie Sorgen darum machen müssen, ob ausreichend Essen auf dem Tisch steht oder sie ein Dach über dem Kopf hat. Ihre Eltern sind nicht nur erfolgreich, sondern bringen auch jede Menge Geld nach Hause – wenn sie denn mal zu Hause sind. Grund zum Klagen hat Pünktchen nicht: Es gibt Ärmere auf dieser Welt, behaupten zumindest ihre Eltern. Anton zum Beispiel stammt nicht nur aus bescheidenen Verhältnissen, sondern hat seit kurzem auch eine kranke Mutter daheim, um die er sich kümmern muss. Nach der Schule geht er arbeiten, damit die beiden über die Runden kommen. Doch Pünktchen hat die vermeintlich rettende Idee: Sie will einen Flohmarkt veranstalten und ihr Spielzeug verkaufen, um Geld für Anton zu sammeln.

Dass Armut nicht immer etwas mit Geld zu tun hat und dass es gar nicht einfach ist, Freundschaft trotz der gesellschaftlichen Barrieren wachsen zu lassen, erzählt Erich Kästners berühmter Vorkriegsroman. Er zeigt, wie es trotzdem gelingen kann und was die Kraft einer Freundschaft zu bewirken vermag – und nicht zuletzt, wie unvoreingenommen der Blick von Kindern auf die Welt sein kann. Ein Blick, der Unterschiede nicht als Hürde wahrnimmt, sondern als Herausforderung, aufeinander zuzugehen. Und wer weiß: Vielleicht bräuchte es gar nicht so viel mehr, damit die Welt eine bessere würde?

In Kästners Geschichte haben nicht die einen alles und die anderen nichts. Vielmehr haben alle etwas anderes und wenn dieses geteilt wird, hat jede*r plötzlich alles.

Katharina Stadtmann

Jonas Graber

Ursula Anna Baumgartner

Frank Engelhardt

Claudia Waldherr

Petra Strasser

Shirina Granmayeh

Haris Ademovic

Stefan Rosenthal

Uwe Achilles

Regie: Nicole Claudia Weber

Bühnenbild: Daniel Sommergruber

Kostümbild: Nina Holzapfel

Licht: Barbara Zukal

Dramaturgie: Sarah Caliciotti

Assistenz und Inspizienz: Natalie Ogris

Hospitanz: Fabian Tastel

Inszenierung: Harald Posch

Bühne & Kostüm: Daniel Sommergruber

Licht: Michał Andrysiak

Dramaturgie: Hannah Lioba Egenolf

Regieassistenz: Alina Hainig

Bühnen- und Kostümassistenz: Paulina Neyer

Dramaturgieassistenz: Laurin Pikus

Mit: Zeynep Buyraç, Katrin Grumeth, Wojo van Brouwer, Klaus Huhle, Martin Vischer, Ivan Vlatković

Die Endzeit ist gekommen. Während sich die Menschheit seit Beginn der 20er Jahre von Krise zu Krise manövriert, werden in Österreich Luxus-Chalets mit autonomer Energieversorgung gebaut – ein, wie die Medien es nannten, „Weltuntergangsdorf“. Eine Herberge des Überdauerns für die Eliten dieser Welt? Die Illusion des Versuchs einer Selbsthilfe, denn direkt darunter liegt ja eine Gaspipeline. Bleibt nur die Frage, wie das Gas in die Pipeline kommt, wenn das Ende gekommen ist und lediglich die Bewohner*innen des Dorfs die Katastrophen unserer Zeit überwunden haben. Das Unterliegen der Gewalt des Bestehenden.

Teestunde. Der Samowar ist heiß – alles ist wie immer. Doch die gewohnte Routine wird durch das Eintreffen des Kunstprofessors Serebrjaków gestört. Begleitet von seiner neuen Frau, entflohen die beiden der Stadt, um die kommende gemeinsame Zeit im Chalet seiner verstorbenen Frau zu überdauern. Deren Bruder Wanja, der Verwalter des Anwesens, ist großer Fan des Kunstprofessors und hat diesen mit den Einnahmen des Guts in der Stadt unterstützt, nur um nun festzustellen, dass dieser nichts erreicht hat. Trägheit macht sich breit, bis der Professor enthüllt, dass er plane das Chalet zu verkaufen. Es folgen Schüsse. Als Serebrjaków und seine Frau abreisen, kehrt alles zur Routine zurück. Was bleibt, ist die Frage nach dem Sinn. Der Samowar ist heiß.

Harald Posch erzählt mit Tschechows Stück von restaurativen Eliten einer durchökonomisierten Gesellschaft, die in starren Mustern einer Vergangenheit anhängen, welche von Rücksichtslosigkeit, Ungleichheit und Raubbau auf Kosten der Schwächsten geprägt war. Durch Bequemlichkeit und innere Monotonie gebremst, ist diese Gesellschaft nicht fähig, altbewährte Muster und Lebensprinzipien zu überdenken und zu durchbrechen – und begräbt dadurch den Schritt in eine neue Zeit. Ist dies die Endzeit oder braucht es eine letzte Rebellion?

Fotos:Alex Gotter

OPIUM

von Witalij Korolew

– Deutsch von Lydia Nagel

– Deutschsprachige Erstaufführung

Inszenierung: Harald Posch

Bühne & Kostüm: Daniel Sommergruber

Musikalische Leitung: Fritz Rainer

Musik: Maxim Franke, Victoria Nikolaevskaja

Autor: Witalij Korolew

Dramaturgie: Hannah Lioba Egenolf

Regieassistenz: Sophie Berghäuser

Ausstattungsassistenz: Silvia Aguilar

Dramaturgieassistenz: Lili Bana

Mit: Josephine Bloéb, Sylvia Haider, Victoria Nikolaevskaja, Niklas Doddo, Maxim Franke, Sören Kneidl, Fritz Rainer, Luka Vlatković

Die Deutschsprachige Erstaufführung von „Opium“ des belarussischen Autors Witalij Korolew verhandelt die Situation des Mittzwanzigers Kolja, der seine Arbeit verliert, und deswegen Mutter und Bruder nicht mehr ernähren kann. Angesichts der drohenden Verarmung entscheidet Kolja, sich im Russland-Ukraine-Krieg zu verdingen, während sein jüngerer Bruder Andrej zwar die Aufnahmeprüfung an der Universität in Minsk besteht, aber schließlich erst von seiner auf ein Leben in der Hauptstadt hoffenden Freundin verlassen wird und es zu einem fatalen Streit zwischen ihm und seinem Kumpel Stas kommt.

Armut, Verzweiflung, Gewalttätigkeit, die Priorität von Nutz- statt Liebesbeziehungen – in Witalij Korolews Theatertext stecken neben einer für das belarussische Theater eher ungewöhnlichen Alltags- und Vulgärsprache Themen, die brisanter nicht sein können.

Witalij Korolew, geboren 1983 in Minsk, ist Theaterautor und seit 2014 Mitglied des Schriftstellerverbandes der Stadt Moskau. Seine Stücke wurden u. a. im Rahmen internationaler Dramenwettbewerbe wie dem „Remarka“ in Samara und dem „Eurasia“ in Moskau präsentiert und ausgezeichnet. Sein Stück „Revierpolizisten“ wird 2016 in das Programm des Internationalen Theaterfestivals „Teart“ in Minsk aufgenommen. „Opium“ entstand im Rahmen einer Werkstatt für junge Dramatiker*innen. Das WERK X hat den Text von der renommierten Übersetzerin Lydia Nagel eigens übersetzen lassen.

Fotos von Alexander Gotter

2021

– Uraufführung 2021

Text: Tex Rubinowitz

Inszenierung: Ursula Leitner

Bühne & Kostüm: Daniel Sommergruber

Dramaturgie: Hannah Lioba Egenolf

Regieassistenz: Alina Hainig

Bühnen & Kostümassistenz: Tanja Peinsipp

Mit: Annette Isabella Holzmann, Wiltrud Schreiner, Wojo van Brouwer

„Fangen wir an? Wie fangen wir an?“ fragt sich ein Schriftsteller in Tex Rubinowitz‘ Stück – Zwei Schauspielerinnen pflichten ihm bei – wie anfangen? Die Kunst, das Leben, die Liebe – ein Theatertext? In einem wilden Parforceritt über seelische Abgründe streifen die drei Hauptdarsteller*innen in ihren sprachlichen Texteskapaden Ludwig Wittgenstein, Charlie Sheen und Kim Jong Un und landen schließlich bei Sherlock Holmes. Oder etwa nicht?

Der erste abendfüllende Theatertext des Autors, Cartoonisten und Bachmannpreisträger Tex Rubinowitz ist ein Auftragswerk des WERK X und erzählt mit Verve über ein Künstler*innendasein zwischen Zwängen, Nöten, Ängsten und meist großer Lust.

Fotos von Alex Gotter.

2021

Inszenierung: Harald Posch

Bühne & Kostüm: Daniel Sommergruber

Dramaturgie: Hannah Lioba Egenolf

Regieassistenz: Alina Hainig

Dramaturgiehospitanz & Recherche: Hannah Grobauer

Bühnen & Kostümassistenz: Silvia Aguilar

Mit: Barča Baxant, Oana Solomon, Bagher Ahmadi, Ayo Aloba, Nikita Dendl, Martin Hemmer, Sebastian Wendelin

1938: Depression, Monokultur und Missernten in den Vereinigten Staaten. Eine große Dürre hat viele Lebensgrundlagen zerstört. Pachtzinsen können nicht mehr bezahlt werden, die Grundbesitzer vertreiben sie mit Baggern, und Familie Joad entschließt sich zu einer Reise ins Ungewisse: Tausende Kilometer reisen sie mit wenig mehr als sie am Leib tragen, einmal quer durch die Wüste und über den Kontinent – einer besseren Zukunft entgegen? In Kalifornien, so hat man gehört, gebe es Arbeit, Wohlstand und die Hoffnung auf ein glücklicheres Leben. Doch mit jedem Schritt in Richtung Westen wachsen Entbehrung, Ausbeutung und Anfeindung. Die Familie bricht auseinander und verliert sich in einer enttäuschten Schicksalsgemeinschaft von Einwanderern …

Um die Auffanglager authentisch beschreiben zu können, begleitete John Steinbeck einen solchen Treck selbst gen Westen. Die Reaktionen auf den Roman ließen nicht lange auf sich warten: Von Politikern und Bischöfen verdammt, wurde Steinbeck als Volksverhetzer und Klassenkämpfer verurteilt – und als Stimme der Unterdrückten gefeiert, auch weil er vor allem immer wieder die solidarische Selbstorganisation und -ermächtigung der Vertriebenen und Ausgebeuteten gegen das Diktat des Kapitals ins Spiel brachte.

1940 wurde „Früchte des Zorns“ mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet, 1962 erhielt Steinbeck den Literaturnobelpreis.

Fotos von Alex Gotter.

Trailer „Der G´wissenswurm- The unintentional end of Heimat"

Inszenierung: Harald Posch

Bühne & Kostüm: Daniel Sommergruber

Musik: Jon Sass

Video: Petra Zöpnek

Autor: Ludwig Anzengruber

Dramaturgie: Hannah Lioba Egenolf

Mit: Miriam Fussenegger, Katrin Grumeth, Christoph Griesser, Peter Pertusini, Sebastian Thiers, Jon Sass

Ludwig Anzengrubers „Der G‘wissenswurm“ ist eine Steilvorlage für das Phantasma einer völkischen Idylle, die in Österreich derzeit so wirkmächtig ist. Harald Poschs Bearbeitung des 1874 uraufgeführten Volksstücks geht der Frage nach, welche Rolle das Unbewusst-Imaginäre im Faschismus der Gegenwart spielt. „Sie alle sind zu Grunde gegangen in und an der Gesellschaft und sie wissen das“, schrieb Viktor Adler über Anzengrubers Figuren – nur aussprechen und reflektieren durften sie es in der feudalen, präfaschistischen Gesellschaft freilich nicht.

Ging man vor einiger Zeit noch davon aus, dass sich die Kluft zwischen dem Leben in der Stadt und dem auf dem Land auf Grund steigender Mobilität, Digitalisierung und Globalisierung verringern könnte, zeichnen aktuelle Entwicklungen ein anderes Bild. Ausbildungs- und Berufsmöglichkeiten sowie die Infrastruktur zwischen Stadt und Land scheinen nach wie vor ungleich verteilt.

Die Stadt also als innovativer und kultureller Schmelztiegel auf der einen und das Land als konservativer und rückständiger Ort auf der anderen Seite? Aber: ist das Auseinanderdriften nicht eher ökonomisch-struktureller Natur und verlaufen die Gräben nicht eher im Sozialen als im Räumlichen?

Harald Posch geht diesen Fragen in seiner Inszenierung nach und beleuchtet, unter wessen Räder der Heimatbegriff im Konflikt zwischen urbanem und ruralem Leben eigentlich gekommen ist.

Fotos von Alexander Gotter

Der Legende nach begehrte Gott Apollon die trojanische Königstochter Kassandra so sehr, dass er ihr die Gabe der Weissagung schenkte. Als sie jedoch seine Verführungsversuche zurückwies, belegte er sie mit einem Fluch: Niemand soll ihr Glauben schenken. So gilt sie als tragische Heldin, die immer das Unheil voraussah, aber niemals Gehör fand.

Die mit dem ARD-Hörspielpreis ausgezeichnete Autorin Magda Woitzuck verlässt in ihrer Fassung den göttlichen Rahmen, die seherische Fähigkeit Kassandras bleibt: So treffen an diesem Abend Prophezeiungen auf eigensinnige Skepsis, das Warnen vor Gefahren auf ein überhebliches Machtgehabe und das Erkennen von Unausweichlichem auf Verharren im Status Quo. Kassandra und die Frauen Trojas ist nicht bloß die Schilderung des trojanischen Krieges aus weiblicher Perspektive, vielmehr ist dieser Abend die moderne Erzählung eines antiken Mythos, die unsere eigenen Verhaltensmuster und Denkweisen in Frage stellt.

Regie: Christina Gegenbauer

Bühne: Daniel Sommergruber

Kostüme: Julia Klug & Nina Holzapfel

Musik: Nikolaj Efendi

Dramturgie : Olivia Scarr

Ensemble:

Isabella Knöll

Claudia Carus

Julia Jelinek

Thomas Kamper

Sophie Prusa

Fotos: Daniela Matejschek

10 Autorinnen und Autoren, 10 Geschichten, 10 Gebote. Kein Text der Welt, keine Zeilen der Literatur und Mythologie wurden so oft übersetzt, so oft zitiert, interpretiert und verwendet wie "Die 10 Gebote".

Es sind nur 15 Verse und doch haben sie das gesellschaftliche Leben der westlichen Welt, unsere Moralvorstellungen und auch unsere Regularien geprägt, wie nichts anderes.

Zum 60. Jubiläum fragen die Sommerspiele Melk "wie wir leben wollen". 10 namhafte Autorinnen und Autoren wurden eingeladen, je ein Minidrama, inspiriert von einem der Gebote, zu verfassen. Musikalisch leitet der Akkordeonvirtuose Otto Lechner von einer Szene zur nächsten über.

Der gemeinsame Ausgangspunkt: Auf den Ruinen einer Zivilisation treffen unterschiedlichste Menschen aufeinander. Fernab gesellschaftlicher Normen, Zwänge und Vorgaben überlegen sie nun: Brauchen wir Regeln, was gebietet der Respekt und was ergibt sich aus der gewonnenen Unabhängigkeit?

In Form von 10 Dramoletten holt das hochkarätige Ensemble unter der Regie von Alexander Hauer die metaphorische Wüste des Originalmythos in die Gegenwart. Eine packende Auseinandersetzung mit Fragen zu Verpflichtung und Freiheit.

Poetisch. Brisant. Abgründig und hoffnungsvoll zugleich. #wiewirlebenwollen.

Texte | Bernhard Aichner, Dimitré Dinev, Franzobel, Paulus Hochgatterer, Stephan Lack, Julya Rabinowich, Eva Rossmann, Cornelia Travnicek, Susanne Wolf und Feridun Zaimoglu / Günter Senkel

Regie | Alexander Hauer

Dramaturgie | Olivia Scarr

Regieassistenz | Anik Oprea

Bühnenbild | Daniel Sommergruber

Kostüm | Julia Klug

Maske | Beate Lentsch-Bayerl

Ensemble | Dagmar Bernhard, Florian Sebastian Fitz, Miriam Fussenegger, Serapia Lentsch, Sebastian Pass, Sophie Prusa, Giuseppe Rizzo, u.a.

Musik | Otto Lechner

Fotos : Daniela Matejschek

Nero – Mythen und Legenden ranken sich um diesen weltbekannten Kaiser des Römischen Reiches.

War er ein skrupelloser Tyrann oder Modernisierer? War er der Brandstifter oder der Retter Roms? Durch wie viele Intrigen kam er an die Macht? Stütze er sich auf die Leibgarde der Prätorianer oder stürzte er durch sie? War er ein kalkulierter Mörder, dennoch Förderer der Wissenschaft und Künste? Größenwahnsinnig obwohl von den klügsten Philosophen beraten? Brutal, perfide und verrückt – oder hatte er einfach eine schlechte Presse?

2022 widmen sich die Sommerspiele Melk einer Herrscherpersönlichkeit, welche die Kunst dem Krieg vorzog, die die Grenzen des Machbaren auslotete und provozierte. So thematisiert >Nero< Fragen rund um Macht und Widerstand, die bis heute gültig sind.

Auftragswerk der Sommerspiele Melk, Aufführungsrechte beim Thomas Sessler Verlag

Alexander Hauer I Regie

Daniel Sommergruber I Bühne

Julia Klug I Kostüme

Beate Bayerl I Maske

Jakob Kammerer I Musik

Ensemble:

Sebastian Pass

Maxi Blaha

Claudia Carus

Kajetan Dick

Julia Jelinek

Christian Kainradl

Thomas Kamper

Sophie Prusa

Fotos: Daniela Matejschek

Von Feridun Zaimoglu & Günter Senkel

Regie: Alexander Hauer

Auftragswerk der Sommerspiele Melk

Aufführungsrechte beim Rowohlt Theater Verlag, Reinbek bei Hamburg

Die Erzählung vom Turmbau zu Babel und der babylonischen Sprachverwirrung ist mit nur neun Versen eine der kürzesten Episoden des Alten Testaments. Und doch inspiriert sie von jeher die Phantasie der Menschen und besonders alle Kunstgattungen. Sie ist aber keineswegs bloß eine Geschichte über das Scheitern und eines vermeintlichen Strafgerichts. Vielmehr zeigt sie, zu welch herausragenden Taten der Mensch durch das vielfältige Zusammenspiel fähig ist. BABYLON – das ist das Streben des Menschen nach immer Höherem, dem oft Unerreichbaren und zugleich dem Entdecken neuer Ziele. Es ist das Verlangen der Menschen, geliebt zu werden und ihr Drang nach Unsterblichkeit. Mystische Geschichten werden zum Spiegel der Gegenwart, phantastische Ereignisse zum Spielplatz unserer Utopien. Das Lächeln am Ende ist jedenfalls inklusive.

Das gefeierte Autorenteam Feridun Zaimoglu und sein Co-Autor Günter Senkel entführt uns nicht in den biblischen Mythos, sondern mit sprachlicher Wucht in die sinnliche Götter- und Geschichtenwelten des Zweistromlandes – und somit zur Wiege des modernen Denkens.

Regie Alexander Hauer

Bühne Daniel Sommergruber

Kostüme Julia Klug

Maske Beate Lentsch-Bayerl

Licht Dietrich Körner

Musik Gerald Huber-Weiderbauer

Ensemble

Giuseppe Rizzo

Maxi Blaha

Dagmar Bernhard

Kajetan Dick

Christian Kainradl

Rafael Haider

Ursula Leitner

Max Niemeyer

Sophie Prusa

Chor & Statisterie

Fotos von Daniela Matejsche und Franz Gleiss

Inszenierung:  Harald Posch

Bühne und Kostüm: Daniel Sommergruber

Dramaturgie:  Hannah Lioba Egenolf

Mit:  Jennifer Frank,  Wiltrud Schreiner,  Sören Kneidl, Peter Pertusini, Daniel Wagner

„Man kann sagen, dass der Faschismus der alten Kunst zu lügen gewissermaßen eine neue Variante hinzugefügt hat – die teuflischste Variante, die man sich denken kann – nämlich: das Wahrlügen.“

Was Hannah Arendt über den historischen Faschismus der 1930er-Jahre feststellte, trifft auf seine Epigonen von Wien bis Washington acht Jahrzehnte später gleichfalls zu: Die Denunziation von Journalismus als „Fake News“ und der Einsatz ideologisch geprägter Lügen als Propagandainstrument, um die Stimmung weiter ideologisch aufzuheizen und zugleich von der eigenen Politik abzulenken.

Dabei ist die Rolle der Medien auch früher schon umkämpft gewesen, wenn auch unter anderen Vorzeichen. „Die verlorene Ehre der Katharina Blum“ des deutschen Autors Heinrich Böll greift das Thema aus der Perspektive der 1970er-Jahre auf, die von einer Diskussion um die Rolle der „Bild“-Zeitung und ihrer Berichterstattung über die RAF geprägt waren. Harald Poschs Inszenierung des Böll-Textes wird beleuchten, wie die Wahrheit in der „Post-Truth“-Ära immer wieder unter die Räder gerät – auch, weil sie weder in den Medien noch in der Politik ernsthafte Verteidiger mehr hat.

Fotocredit: © Alexander Gotter

Die Arbeitersaga- Teil I

– von Peter Turrini und Rudi Palla in einer Bearbeitung des WERK X nach der gleichnamigen ORF-Produktion

– eine Produktion des WERK X in Koproduktion mit dem Klagenfurt Festival

– Uraufführung

Inszenierung & Textfassung (Folge 1): Helmut Köpping

Bühne & Kostüm (Folge 1): Daniel Sommergruber

Mit (Folge 1): Julia Schranz, Susi Stach, Thomas Kolle, Johnny Mhanna, Peter Pertusini

In der von Peter Turrini und Rudi Palla entworfenen Fernsehserie „Arbeitersaga“ wurde der Versuch unternommen, in vier miteinander verbundenen Spielfilmen eine politische Entmystifizierung der Sozialdemokratie vorzunehmen. Gleichzeitig wird die wirtschaftliche und kulturelle Entwicklung Österreichs von den 1950ern bis in die 1990er-Jahre beschrieben. Das WERK X wird sich diesem Mammutwerk in einem vierteiligen Theaterabend nähern. Die „Arbeitersaga“ wird in der Spielzeit 2019/20 über das Erzähljahr 1991 hinaus fortgeschrieben.

Anlässlich des hundertjährigen Jubiläums des „Roten Wien“ wird gerne und viel darauf verwiesen, wie sehr die österreichische Sozialdemokratie gerade die Hauptstadt des Landes geprägt hat. Was dabei zwangsläufig unterbelichtet bleiben muss, ist, wo sich die Entwicklung der SPÖ nicht von jener anderer sozialdemokratischer Parteien Europas unterscheidet. Denn wie in anderen Ländern, so erfolgte auch in Österreich in den Jahren und Jahrzehnten nach dem Zweiten Weltkrieg eine sukzessive Hinwendung der einstigen Arbeiterpartei hin zur so genannten Mitte: Aus der Überwindung der Kapitalherrschaft wurde die Idee, die Marktkräfte einzuhegen, aus dem Klassenstandpunkt die bürgerliche Konsensdemokratie und aus der Vision einer klassenlosen Gesellschaft ein pragmatisches Verhältnis zur Gegenwart.

Vor diesem Hintergrund erscheint es von hoher Relevanz, einen Blick in die Zeitgeschichte zu werfen und den Versuch zu wagen, die Entwicklung der österreichischen Gesellschaft und mit ihr der österreichischen Sozialdemokratie nachzuzeichnen. Am Ende bleibt die Frage: Wie konnte es nur so weit kommen?

Die „Arbeitersaga“ entfaltet ein Panorama, das den Bogen vom postfaschistischen Österreich der unmittelbaren Nachkriegszeit bis in die 1990er-Jahre spannt. Von der Ära der zu Ende gehenden Disziplinargesellschaften mit ihren relativ geschlossenen Klassen lassen die vier Filme den Schwenk der Sozialdemokratie zur „sozialen Marktwirtschaft“ ebenso wieder auferstehen wie die gesellschaftliche Individualisierung seit den 1960er-Jahren und die Ausbreitung einer massenhaften Konsumkultur.

Das WERK X wird sich in der Spielzeit 2019/20 diesem Mammutwerk in einem vierteiligen Theaterabend nähern.

Fotos von Alexander Gotter

– Inszenierung: Ursula Leitner
– Textfassung: Ursula Leitner, Sophie Benedikte Stocker, Bernhard Georg Rusch
– Dramaturgie: Sophie Benedikte Stocker
– Bühne: Daniel Sommergruber, Andreas Stockinger
– Kostüme: Daniel Sommergruber
– Musikalische Leitung: Flora Königsberger
– Assistenz: Sebastian Klinser

Mit: Aleksandra Corovic, Sören Kneidl, Régis Mainka, Sebastian von Malfèr, Martin Purth, Bernhard Georg Rusch, J-D Schwarzmann, Matthias Tuzar

Eine Gruppe junger Männer, ein bierlauniger Abend und gute Stimmung: Auf der Suche nach einem Absacker landen die Burschen kurz vor der Sperrstunde im Beisl „Zum Wilden Mann“.

Beim Trinken werden nicht nur Bettgeschichten ausgetauscht und Fußballergebnisse diskutiert, sondern vor allem „unsere Werte“ und die Lage der Nation besprochen. Die Witze der Männer verwandeln sich immer mehr in aggressive Äußerungen und die rechtsradikale Gesinnung der Gruppe wird immer deutlicher. Der Hass gegenüber Linken, Frauen, Asylanten und Andersdenkenden und nicht zuletzt dem Wirt und seiner Lebensgefährtin gegenüber, entlädt sich zunehmend. Die Situation eskaliert. Doch die Burschenschaft selbst darf unter gar keinen Umständen negativ in die Medien geraten: „Ehre, Freiheit, Vaterland“. Auf Grundlage von dokumentarischen Materialien dramatisiert Regisseurin Ursula Leitner eine Geschichte über eine fiktive Burschenschaft – der „Dekadenzia zu Wien“.

Fotocredit: © Alexander Gotter

Von Bernhard Aichner
Regie: Alexander Hauer 
Bühne: Daniel Sommergruber
Kostüme: Monika Biegler

Bühne Frei!
Leitung Statisterie/Chor: Ursula Leitner & Flora Königsberger
Musik: Gerald Huber-Weiderbauer, Christoph Richter, Flora Königsberger

Sommer 2018. Luzifer eröffnet in Melk sein THEATER DES BÖSEN. Als Ehrengast lädt er seinen ehemaligen Freund und Weggefährten Gott ein, um ihn davon zu überzeugen, dass man ihm, dem gefallenen Engel, ein Leben lang Unrecht getan hat. Und dass das Gute und das Böse auf dieser Welt, näher beieinander liegen, als man denkt.

Generalprobe: Luzifer zeigt Gott seine Inszenierung des Grauens – Alltagszenen aus der Vergangenheit und der Gegenwart, Historisches und Unverbürgtes. Der Theaterabend wird zur Achterbahnfahrt der Gefühle, zu einer Gratwanderung zwischen Recht und Unrecht, zwischen Wahrheit und Lüge, zwischen Lachen und Weinen. Verführerisch und diabolisch führt Luzifer Regie. Doch Gott mischt sich ein. Er kritisiert, verändert, wirkt Wunder auf der Bühne und schreibt Luzifers Stück um, und damit auch einige Episoden der Weltgeschichte neu. Luzifer wehrt sich, widerruft, legt nach. Und schon schlüpfen beide in die Rollen weltberühmter Figuren.

Bernhard Aichner zählt mit über 400.000 verkauften Büchern seiner „Totenfrau-Trilogie“, die in 15 Sprachen übersetzt wurde, zu den erfolgreichsten deutschsprachigen Gegenwartsautoren. Mit seinen beiden „Melker Protagonisten“ erzählt er uns, wie absurd, humorvoll und gnadenlos unsere Welt war und ist und vielleicht sein könnte. „Ein Abend voller Überraschungen, Erkenntnisse und Wunder.“

Thomas Sessler Verlag, Wien

Musikrevue von Rita Sereinig und Alexander Hauer
Musikalische Leitung und Arrangements: Gerald Huber-Weiderbauer und Michael Strauss
Regie: Rita Sereinig
Bühne: Daniel Sommergruber
Kostüme: Monika Biegler
Choreografie: Marina Petkov und Rita Sereinig

Die diesjährige Musikrevue der Sommerspiele Melk wartet mit diabolischen, lustvollen und manchmal auch engelsgleichen Klängen auf. Neben den bewährten Elementen der beliebten Musikrevue der Sommerspiele Melk, erwarten uns heuer ganz neue Geschmacksrichtungen: eine Prise Zirkus, eine Spur von Varieté, kecke Choreographien, rhythmische Performances und auch neue Farben in den musikalischen Arrangements.

Eine aberwitzige, diabolische Story, verpackt in 50 Welthits der Rock- und Popgeschichte, neu gemixt und fein gewürzt mit deutschsprachigen Songs. Alles in allem eine vielversprechende Rezeptur für eine dynamische, höllisch gute Show.

„Ich bin ein Monster. - Nein, ich lüg, das bin ich nicht!“ 

Diese Produktion von William Shakespeares Klassiker Richard III geht der Frage nach: was genau macht einen Menschen zu einem Monster? Sein Umfeld, seine Vergangenheit, seine eigenen Entscheidungen oder eine Kombination aus all dem? Kann man für solche Menschen Mitgefühl und Verständnis aufbringen oder geht ihre menschliche Seite komplett verloren? Und sind wir Außenstehende wirklich soviel besser? Vier Schauspieler schlüpfen in zahlreiche Rollen und erwecken so Richard und seine dysfunktionale Familie zum Leben. Die Bühne wird zu ihrem Schlachtfeld und Spielplatz, mithilfe von Shakespeares berührenden und mitreißenden Worten laden sie den Zuseher ein in eine Welt voll von Intrigen, Geheimnissen und Machtkämpfen. Das Wettrennen um Englands Krone hat begonnen.

„Die Hoffnung fliegt so schnell wie eine Schwalbe.
Ein König wird durch sie zum Gott. 
Und nied’re Kreaturen Könige."

Mit: Sophie Aujesky, Josef Ellers, David Jakob, Johanna Rehm
Regie: Helena Scheuba
Bühne & Kostüm: Daniel Sommergruber
Regieassistenz: Raphaela Böck

Zirkusmusical

»Hereinspaziert! Hereinspaziert!« Wo immer Leo Pimpelmoser mit seinem weltberühmten »Zirkus Furioso« gastiert, wird das Publikum verzaubert – und lacht dabei Freudentränen. Denn in diesem Zirkus geht so ziemlich alles schief, was nur schiefgehen kann: Der Bär verweigert seinen Auftritt, da ihn eine Maus gebissen hat, Assistentin Bella Stella ist trotz aller Bemühungen nirgendwo aufzufinden und zu allem Übel ist auch noch der Tiger aus seinem Käfig ausgebrochen. Also muss Zirkusdirektor Pimpelmoser gemeinsam mit seiner Frau und dem Furiosen Frank durch eine Zirkusvorstellung voller Pannen führen und dabei versuchen, zu retten, was noch zu retten ist. Das Publikum darf sich unterdessen über einen Fakir freuen, der auf seinem Nagelbrett ein Mittagsschläfchen hält, einen Zauberer, der seinen Zauberspruch vergessen hat, ein tanzendes Elefantenpaar, wilde Pferde, Messerwerfer, Jongleure, Seiltänzer, Feuerschlucker und sogar eine bauchredende Giraffe!

Der Komponist Peter Schindler zählt zu den versiertesten Verfassern von Kinderliedern und -musicals im deutschsprachigen Raum. In seinem »Zirkus Furioso« präsentiert der Kinderchor des Staatstheaters am Gärtnerplatz mit Unterstützung von Dagmar Hellberg, Frank Berg und Erwin Windegger eine turbulente und amüsante Zirkusgeschichte und darf dabei mit viel Gesang und Fantasie eine Zirkusvorstellung auf die Beine stellen, wie sie die Welt noch nicht gesehen hat! Also: Manege frei und Vorhang auf für ein wahrhaft furioses Zirkusvergnügen!

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Musik von Peter Schindler.
Text von Babette Dieterich und Peter Schindler.

Mit: Erwin Windegger, Frank Berg, Dagmar Hellberg, Kinderchor des Staatstheaters am Gärtnerplatz, Musiker des Staatstheaters am Gärtnerplatz

Musikalische Leitung: Andreas Partilla
Regie: Lukas Wachernig
Bühne und Kostüme: Daniel Sommergruber
Licht: Michael Heidinger
Dramaturgie: Daniel C. Schindler

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Fotos: © Christian POGO Zac

Sommerspiele Melk 2017

Eine Nacht schreibt Geschichte. Nur wenige Tage nach der Vermählung der katholischen Margarete von Valois, der Schwester des französischen Königs, mit dem calvinistischen Heinrich v. Bourbon aus dem Königreich Navarra, fallen die als Gäste geladenen Hugenotten einem Massaker zum Opfer. Als machtvolle Inszenierung der Aussöhnung von Katholiken und Protestanten gedacht, folgt der festlichen Schlachtplatte der Hochzeit übergangslos das Abschlachten von Menschen. Dieser fast schon absurde Umstand – die Paradoxie jener Pariser Bluthochzeit – beschäftigt Historiker und Autoren bis heute. Und doch keimen bald danach Hoffnung und die Frage nach Versöhnung, Verantwortung und Vielfalt auf. Wie findet man nach solchen Vorkommnissen wieder zusammen? Wie kann sich eine Gesellschaft neu positionieren, wie Gräben überwinden, wie aufgerissene Wunden schließen?

Starke Bilder, plastisch gezeichnete Charaktere und visionäre Ideen: Die Sommerspiele Melk, das traditionsreichste Theaterfestival Niederösterreichs, widmeten sich auch 2017 einem großen, packenden und berührenden Stoff, der mit dem Reformationsjubiläum 500 Jahre Protestantismus in Verbindung steht, aber auch klar in die Gegenwart weist. Der Streit der Religionen, das Streben nach Macht und die Suche nach Toleranz am Fuße des Stiftes Melk – ein einzigartiges Spannungsfeld.

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Von Stephan Lack und Alexander Hauer

Regie: Alexander Hauer
Musik: Gerald Huber
Bühne: Daniel Sommergruber

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Fotos: Daniela Matejschek

Uraufführung, Schauspiel von Stephan Lack und Alexander Hauer nach Homer

Es ist die Geschichte der großen Liebe, des leidenschaftlichen Begehrens und der Sehnsucht. Es ist die Erzählung des überstandenen Krieges, des Heimat und Zuflucht-Suchens, des Grenzen-Überschreitens und doch auch der großen, lustvollen Abenteuer. Es ist ein vielschichtiges Panorama an faszinierenden und absonderlichen Figuren, ein Kaleidoskop an suchenden, irrenden, hoffenden, um- und aufkommenden, getriebenen und ankommenden Menschen. Mit Homer begann vor gut 3000 Jahren die abendländische Literatur, seine Motive wie die Sirenen, der einäugige Kyklop, einzigartige Wunder- und Fabelwesen prägen bis heute unsere Vorstellungskraft. Zugleich präsentieren die Sommerspiele Melk mit Homers Odyssee einen Stoff von spürbarer Aktualität und Sprengkraft, aber auch der Phantasie und des Hoffens. Theater voll von Gefühlen, literarischer Wucht und Poesie. Eine packende und bewegende Geschichte vor der einzigartigen Kulisse des Welterbes Stift Melk.

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Regie: Alexander Hauer
Bühne: Daniel Sommergruber
Kostüme: Julia Klug
Maske: Beate Lentsch-Bayerl
Musik: Boris Fiala

Alles beginnt auf dem Land. Man ist der Natur nah, aber man weiß wenig über seine Gefühle – oder gesteht sich über sie kein Wissen ein. Man lebt in den Büchern, die – weit davon entfernt, einem zu helfen – nur für noch größere Verwirrung sorgen.
In dieser Geschichte begegnet einem alles, was das Leben so mit sich bringt: Die Sehnsucht, der Mann der Träume, das Rasen der Eifersucht, die Liebe und ihre mehrfache Zurückweisung, ein Konflikt mit tödlichem Ausgang, doch es ist alles ein bisschen wie hinter Glas oder unter Wasser, das wichtigste Tool ist das Innuendo, die Andeutung, deshalb lassen sich die Aktionen der handelnden Personen auf so vielfältige Weise interpretieren.

Die Musik macht da nicht mit! Tschaikowski verschmäht alles Ungefähre – er ist direkt, schockierend unverblümt und immer existentiell verstrickt, es ist, als erzählte er eine völlig andere Geschichte, und das ist das Reizvolle an diesem Stück: Die gegensätzlichen Perspektiven von Handlung und Musik, die unterschiedlichen Geschwindigkeiten von Aktion und Motivation, die diametral entgegengesetzten Konzepte von Raum und Wahrnehmung des Raumes. Eine weite Landschaft, die Klaustrophobie erzeugt, ein beschaulicher und eigentlich langweiliger Tagesablauf, in dem die Emotionen Vollgas geben.

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Mit dem Webern Symphonie Orchester
Musikalische Leitung: Peter Marschik
Inszenierung: Alexander Hauer
Bühne: Daniel Sommergruber

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Eugen Onegin auf youtube

2012 Sommerspiele Melk

Die Päpstin Johanna zählt wohl zu den faszinierendsten und ungewöhnlichsten Gestalten der abendländischen Geschichte: eine modern anmutende junge Frau, deren Bildungsdrang sie zwingt, sich ihr Leben lang zu verstellen.

Als Mönch verkleidet tritt sie ins Kloster ein. Mithilfe ihres außergewöhnlichen Intellekts kämpft sich Johanna von ärmsten Verhältnissen zur Spitze der kirchlichen Macht empor – denn schließlich wird sie auf den heiligen Thron gewählt. Ihre Gier nach Wissen führt sie zu großem Ruhm, aber auch in ein gefährliches Machtspiel und schließlich in den Tod, „verraten“ von ihrer eigenen, weiblichen Natur.

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Mit: Katharina Stemberger, Denis Petkovic, Julian Loidl, Matthias Hacker, Franziska Hetzel, Ingrid Lang, Anselm Lipgens, Christian Preuss, Giuseppe Rizzo, Ronald Rudoll, August Brückler, Arthur Koncar, Valerie Anna Gruber, Paul Eberstaller, Moritz Winklmayr

Regie: Alexander Hauer
Bühnenfassung: Susanne Felicitas Wolf
Bühne: Daniel Sommergruber
Kostüme: Moana Stemberger
Maske: Beate Lentsch-Bayerl
Lichtdesign: Dietrich Körner
Musik: Josch Russo

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Fotos: photo-graphic-art.at

Uraufführung nach dem Stummfilm von Fritz Lang – Sommerspiele Melk 2014

„Metropolis – das große weiche Herz der Bestie“ ist ein modernes Bühnenmärchen, aktionsreich inszeniert vor der barocken Kulisse des Benediktinerklosters Melk.

Die Geschichte vom reichen Erben aus gutem Haus, der sich in ein  armes Mädchen verliebt, die geht – das darf verraten werden – am Ende gut aus. Doch das Mädchen kommt aus der Unterwelt der Maschinensklaven und der junge Mann stammt aus der Herrscher-Klasse. Der Konflikt ist vorprogrammiert, denn natürlich ist der Papa dagegen. Das sorgt für Spannung, Action und Sozialkritik.

Der österreichischen Filmregisseur Fritz Lang erlangte mit dem Film „Metropolis“, den er 1927 drehte, Weltruhm. Der Science-Fiction-Klassiker ist inzwischen sogar UNESCO-Weltkultur-Erbe. Franzobel,  Bachmann-Preisträger aus Oberösterreich, hat den Film fürs Melker Sommertheater neu bearbeitet.

„Metropolis“ ist aber nicht nur eine rasant inszenierte Liebesgeschichte, sondern auch ein zeitlose Gesellschaftskritik. Denn  diese sozialkritische Science –Fiction - Geschichte aus den 1930er Jahren zeigt eine Zukunft, die unsere Gegenwart ist:
es geht um die Würde des Menschen und eine humane Gesellschaft.

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Bühnenfassung: Franzobel
Regie: Alexander Hauer
Musik: Thomas Gansch
Bühne: Daniel Sommergruber
Kostüme: Moana Stemberger
Lichtdesign: Dietrich Körner
Maske: Beate Lentsch-Bayerl

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Fotos: photo-graphic-art

Bühnenbild für die Sommerspiele Melk 2013

Verrat und Hass, Rachsucht und Leidenschaft, Verzweiflung und Hoffnung: Die spannungsgeladene Geschichte des Grafen von Monte Christo hält die Bandbreite menschlicher Gefühle vor Augen und enthält alles, was ein aufregender Theaterabend braucht. Große Emotionen, erbitterte Rivalitäten, perfide Handlungsweisen, Niederlage und Auferstehen –und die Idee, dass am Ende aus blindem Hass aufrichtige Versöhnung werden kann.

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Mit: Denis Petkovic, Sonja Romei, Thea Schuette, Johannes Huth, Julian Loidl, Giuseppe Rizzo, Rainer Doppler, Matthias Hacker, Christian Preuss, Alexandra Maria Timmel, Martin Bergmann, Franziska Hetzel, Lena Weiß, Marianne Dam, August Brückler, Valerie Anna Gruber, Tobias Hintersteiner

Regie: Alexander Hauer
Bühne: Daniel Sommergruber
Kostüme: Moana Stemberger
Maske: Beate Lentsch-Bayerl
Lichtdesign: Dietrich Körner
Musik: Josch Russo
Dramaturgie: Petra Freimund

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Fotos: photo-graphic-art.at

Politthriller von Ariel Dorfmann

Paulina Salas glaubt in dem Arzt Roberto Miranda ihren Peiniger aus der Zeit der Diktatur erkannt zu haben und hält ihn als Geisel fest. Sie versucht mittels geringfügig falschen Informationen ein Geständnis so zu manipulieren, dass einzig der wahre Täter diesen Fehler korrigieren könnte. Sie sieht die Korrekturen als Beweis seiner Schuld an, wobei, in Anbetracht ihrer wie Mirandas sehr instabiler mentaler Lage von einer konsequenten Beweisführung nicht ausgegangen werden kann.Paulina beschließt den Arzt am Leben zu lassen und mit ihrer Vergangenheit abzuschließen, um ein neues Leben in der Demokratie zu erschaffen.

Ein Drama über sexuelle Gewalt, über die Liebe und ihre Wunden! Und der Zuschauer sitzt dabei auf der Geschworenenbank – War er’s, war er’s nicht?

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mit: Kajetan Dick, Birgit C. Krammer, Julian Loidl

Regie: Doris Schnabl
Ausstattung: Daniel Sommergruber

Mit: Anselm Lipgens, Julian Loidl, Sara Joana Müller, Josch Russo, Helena Scheuba

Regie: Doris Schnabl
Musik: Josch Russo
Bühne: Daniel Sommergruber
Art Direction: Chili Gallei
Dramaturgie: Petra Freimund

Das richtige Leben im dritten A

3 AutorInnen – 3 RegisseurInnen – 3 Uraufführungen an einem Abend:

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Man muss sich ein Gerüst so vorstellen
von Elisabeth Mundt

Inszenierung: Anna Katharina Winkler
Mit: Christina Scherrer, Johannes Schüchner

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Schwitzen
von Rosie Pilz

Inszenierung: Susanne Egger
Mit: Bernhard Dechant, Mirko Roggenbock, Patrick Seletzky

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Jolt
von Jakob Kraner

Inszenierung: Hannan Ishay
Mit: Marion Reiser, Martin Schwanda, Stefanie Sourial

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Bühne: Daniel Sommergruber
Kostüm: Anna Granat
Dramaturgie: Hannah Lioba Egenolf

Wandelbühne

2015-2017 verantwortlich Ausstattung und Kostüme

2018-2020 verantwortlich für Die Ausstattung für das Theatercamps

2014 wurde in St. Lambrecht ein Theaterprojekt gestartet, um der Jugend der Region einige inspirierte Sommertage zu schenken. Daraus entpuppte sich die Wandelbühne: Aus 25 Akteuren, dem Regieteam und wenigen Helfer*innen im ersten Jahr wuchs innerhalb weniger Jahre ein Projekt mit insgesamt über 120 Darsteller*innen, einem künstlerischen Leading Team – ein Dutzend Theaterprofis mit internationaler Erfahrung – und rund 80 (freiwilligen) Helfer*innen im Hintergrund.

Binnen weniger Jahre avancierten die Theatercamps der Wandelbühne zu den bedeutendsten und größten Österreichs. Aus dem reinen Jugend-Projekt wurde überdies ein generationenverbindendes für Menschen zwischen 7 und 97. Abgerundet wird dies von zwei professionellen Darsteller*innen und einer achtköpfigen Band, die mit den jugendlichen und erwachsenen Teilnehmer*innen – die mittlerweile aus ganz Österreich jeden Sommer nach St. Lambrecht finden – auf der Bühne stehen.

Darüber hinaus prägt die Zusammenarbeit der Wandelbühne mit den umliegenden Schulen sowie dem Naturpark Zirbitzkogel-Grebenzen und weiteren kulturaffinen Institutionen die Theaterlandschaft der Obersteiermark das gesamte Jahr über.